Prog Blog-Reviews

2007-11-29T17:31:00.001+01:00

Go to ImageShack® to Create your own Slideshow

Musiktipp 3

2007-11-21T16:13:00.000+01:00

Ihr mögt härteren progressive Metal wie Opeth, Death oder Disillusion ? Dann sollte ihr mal die amerikanische Band Gwynbleidd euch anhören. Sie kommen aus New York und verbinden wie Opeth ruhigere Passagen mit sehr brutalen und doppel Base lastigen Teilen, natürlich kommen hierbei auch Death Metal Growls zum Einsatz. Auf www.last.fm könnt ihr euch die komplette erste EP der Jungs kostenlos im Stream anhören und euch sogar das erste Lied runterladen. Die offiziele Website der Jungs lautet gwynbleidd.com

natürlich gibt es hier noch ein lied zum probehören

Gwynbleidd – The Awakening

ich wünsch viel spaß damit
euer Malte J.

KING CRIMSON - 21st Century Schizoid Man

2007-10-17T16:31:00.001+02:00

King Crimson - In Court Of The Crimson King

2007-10-17T16:17:00.000+02:00

Band: King Crimson

Album: In the Court of the Crimson King

Genre: progressive rock

Vö-Jahr: 1969

Tracklist:

1.: 21st Century Schizoid Man

2.: I Talk to the Wind

3.: Epitaph (Including 'march for No Reason' and 'tomorrow and Tomorrow')

4.: Moonchild (Including 'the Dream' and 'the Illusion')

5.: The Court of the Crimson King (Including 'the Return of the Fire Witch' and 'the Dance of the Puppet

Mitglieder:

Robert Fripp - Gitarre

Greg Lake – Bass, Gesang

Ian McDonald - Holzblasinstrumente, Vibraphon, Keyboard, Gesang

Michael Giles – Schlagzeug, Percussion, Gesang

Peter Sinfield - Words and Illumination

Schrägheit, Experimentierfreude, handwerkliche Perfektion, Mut, lyrische, längere Stücke-
all das hat das macht das Genre des Progressive Rock noch bis heute aus.
Nur man fragt sich, wie und wann das angefangen hat.
Nun, all das ist...........aus dem Nichts entstanden, als sich eine Gruppe von Musikern einfach so zusammensetzte, die vorher noch nichs wirklich nennbares fertiggebracht hatten,und

IN THE COURT OF THE CRIMSON KING

im Jahre 1969 aufnahmen, das später noch Gruppen wie Yes, Jethro Tull und Genesis sehr stark beeinflussen sollte.
Nur, was ist es, dass diesen Einfluss ausmacht, was ist es, dass dieses Album so speziell, so aussergewöhnlich macht, und was vor allem verschafft dieser LP diese extreme Vorreiterstellung?

Sehen wir uns doch zuerst einmal das

COVER

an. Am besten wirkt das natürlich bei der Vinylhülle, die ich hier auch vor mir liegen habe- beim CD Cover wirkt das weit weniger eindrucksvoll.
Hier sehen wir im fast expressionistischen Darstellungsmodus ein Gesichtm verzerrt im Ausdruck, verzerrt in seiner Haltung.....
deutlich erkennbare Pinselstriche und satte Gefühlsfarben sorgen für den Eindruck eines expressionistischen Werks wie Edward Munchs ,,der Schrei", nicht aber für den Eindruck eines Plattencovers.
Auch die innenseite ist ähnlich seltsam, ähnlich künstlerisch, bunte Kugeln, ein Mann mit einem riesigen Kopf..........

Hier wird intelektueller Anspruch deutlich, ohne jedoch ins absurde, lächerliche, klischeehafte zu verfallen.

Eine derartige Gestaltung der Tonträgerhülle ist bis heute einmalig, und ich wage einfach mal zu behaupten, dass auch dies einen Teil der Faszination von IN THE COURT OF THE CRIMSON KING ausmacht.

Doch natürlich ist die Musik ja eigentlich viel wichtiger.......
Das Ganze beginnt mit leisen, schwer definierbaren Geräuschen, bis dann

21st Century Schizoid Man including Mirrors 7:20

richtig anfängt!!!!!! Ein heftiges,verzerrtes Riffing, hart, laut, schleppend, agressiv, wird begleitet von einer ebenso verzerrten Stimme, agressiv, fordernd, treibend, peitschend.
Man selber als Hörer wird aktiv Teil des Prozesses, man kann einfach nicht nur passiv da sitzen und der Musik lauschen, man wird dazu aufgefordert, sich aktiv damit auseinanderzusetzen, man wird erfasst, ergriffen, ob positiv oder negativ, sei jedem einmal selbst überlassen, nur das man erfasst wird steht wohl fest.
DIE TOTALE AKTIVE MUSIK!
Nie zuvor ist es gelungen, eine derart simple Idee derart komplex, vielschichtig und vielseitig darzustellen, einfach der Wahnsinn...........
Ein paar unkenvtionell angebrachte Saxophon/Gitarrensoli machen das Erlebnis vollkommen, perfekt, einzigartig.

Der nächste Titel dagegen........eine Kontrast, eine Entspannung sozusagen.......

I Talk To The Wind 6:05

Ist eine fast ruhige, gemäßigte Ballade............der Gesang ist unverzerrter, harmonischer, liebliche, ja fast zerbrechlich anmutende Flöten unterstützen das harmonische Bild..........eine gewisse Raumatmosphäre stellt sich hier ein, doch verglichen mit dem Opener wird dieses Liedlein wie ein belangloser, konventioneller Durchhänger, was man von

Epitaph including March For No Reason and Tomorrow And Tomorrow 8:47

zum Glück nicht behaupten kann. Auch hierbei handelt es sich zwar um eine Ballade im weitesten Sinne, doch ist diese weit weniger konventionell, weit weniger vorhersehbar, weit weniger lieblich und nett als ,,I Talk To The Wind".
Vielmehr geht es hier ähnlich düster wie im Opener zu, auch wenn dieser Eindruck mit gänzlich anderen musikalischen und lyrischen Mitteln erreicht wird.
Hier ist es eine düstere, erhabene Atmosphäre, erreicht durch Percussionsinstrumente und das berüchtigte Mellotron sowie eine sehr fein definierte, einnehmende Gesangstechnik. Dies ist in dieser Form wieder einmalig. Die Atmosphäre ist hier was zählt, und genau das lässt sich eben nicht beschreiben, ausser mit Worten wie düster oder melancolisch, die dem wahren Höreindruck aber einfach nicht gerecht werden können.

Moonchild including The Dream and The Illusion 12:11

Der Beginn lässt auf eine weitere, belanglose Popballade schliessen.......doch, dies täuscht, denn später erleben wir spontan improvisierte Musik, die weit weg vom allen sonstigen Bekannten ist............Bilder entstehen dabei im Kopf des Hörers, ähnlich wie bei Entspannungsmusik, vorrausgesetzt, man lässt sich darauf ein.
Es ist sicher nichts, um nebenbei bedudelt zu werden,wohl aber, um mit verschlossenen Augen neue Welten zu erfahren.

The Court Of The Crimson King including The Return Of The Fire Witch and The Dance Of The Puppets 9:22

....Ein Klassiker, bereits von Saxon gecovert! Hymnisch, episch, breit, mit vollem Mellotroneinsatz und allgemein üppiger Instrumentierung und unglaublichen Chören kommt dieser lange Epos daher, unendlich erhabend wie auf einer Wolke schwebend...................Eine Kombination aus allen Elementen dieses Albums, zusammengesetzt mit dem hymnischen, bildet den Höhepunkt der LP........aus musikalischer wie lyrischer Sicht.
Deshalb möchte ich hier einmal, stellvertrend für die Lyriks der gesamten LP, den Text dieses Titelstücks vorstellen, damit man ungefähr eine Ahnung hat, in welch lyrisch-tiefgreifenden Dimensionen die Musik von King Crimson hier gelangt.

The dance of the puppets
The rusted chains of prison moons
Are shattered by the sun.
I walk a road, horizons change
The tournament's begun.
The purple piper plays his tune,
The choir softly sing;
Three lullabies in an ancient tongue,
For the court of the crimson king.

The keeper of the city keys
Put shutters on the dreams.
I wait outside the pilgrim's door
With insufficient schemes.
The black queen chants
The funeral march,
The cracked brass bells will ring;
To summon back the fire witch
To the court of the crimson king.

The gardener plants an evergreen
Whilst trampling on a flower.
I chase the wind of a prism ship
To taste the sweet and sour.
The pattern juggler lifts his hand;
The orchestra begin.
As slowly turns the grinding wheel
In the court of the crimson king.

On soft gray mornings widows cry
The wise men share a joke;
I run to grasp divining signs
To satisfy the hoax.
The yellow jester does not play
But gentle pulls the strings
And smiles as the puppets dance
In the court of the crimson king.

----------------------------------------------------------------------------------------

FAZIT:

Einmalig.
Dieses Niveau wurde voin King Crimson selber nachher auch nur schwer erreicht, diese unverkrampftheit in Kompisition und Ausführung findet man selten.
Dazu eine unglaubliche Innovationskraft und tiefgreifende Lyrik, gepaart mit einer Musik, die ihrer Zeit vorraus war und auch jetzt noch weit voraus ist!

Wer sich von Musik bedudeln lassen will, der soll bitte auch hiervon die Finger lassen...........
Es ist Musik, um sich darauf einzulassen und um neue Welten zu entdecken.
Und deshalb empfehle ich auch die Zulegung dieses Albums als Vinyl, denn die geremasterte CD Version lässt viel Wärme und Natürlichkeit verschwinden.

IN DIESEM SINNE

.....viel Spaß beim Lesen, Bewerten und Kommentieren.

----------
ANMERKUNG:

Die Bewertung der Klangqualität ist in Relation zum Erscheinungsdatum zu sehen.

10/10 Punkte

Erstveröffentlichung der Review bei:

http://musik.ciao.de/In_the_Court_of_Crimson_King_King_Crimson__Test_2946782

Review von Elektrolurch

Dominik Müller - Sturmweh

2007-10-17T15:44:00.000+02:00

Künstler: Dominik Müller

Album: Sturmweh

Genre: Retro Prog

Erscheinungsjahr: 2006

Musiker: Dominik Müller

Tracklist:

1.) Sturmweh

Bereits seit 2003 brachte der junge deutsche Künstler Dominik Müller im zarten Alter von 15 Jahren sein erstes Album namens Vagabond's View heraus. Und darauf war - wie auch heute - bereits Progressive Rock zu hören. Damals hatte er noch einige Ecken und kannten, vor allen Dingen, was den Gesang betraf. Das kann man von seinem neuesten Werk Sturmweh nicht mehr sagen.

Einige kristisieren auf Dominiks neuestem Output zwar immer noch den Gesang, der angeblich zu kraftlos sei, ich persönlich finde ihn aber gut, wenn auch nicht hervorragend. Er passt einfach zur Musik, doch dazu später.

2004 erschien das Album Levellym, das bereits deutlich glatter rüberkam, als seine Vorgänger-Platte und das nun nicht mehr englische, sondern Deutsche Titel enthielt.

Diese ließen schon damals mit Titeln wie Morgentau oder Erster Traum einen Bezug zur deutschen Romantik (etwa 1795-1848) vermuten, allerdings beinhalteten sie ausschließlich instrumentale Passagen ohne Gesang.

Sturmweh ist nicht mehr rein instrumental gestaltet und liefert romantische Textpassagen, wie zum Beispiel:

Entzünde die Laterne

Die Nächte werden lang

Und draußen in der Ferne

Hörst du den Windgesang

Das Licht wirft schwarze Schatten

In kalte Dunkelheit

Und alles was wir hatten

Weicht bald der Ewigkeit

Mir persönlich gefällt das natürlich ziemlich gut, bin ich doch ein begeisterter Fan der Romantik.

Musikalisch gesehen ist Sturmweh, das aus einem mehr als 17-minütigen epischen Titel besteht, meiner Meinung nach das Beste, das Dominik bisher veröffentlicht hat.

Das Stück startet mit Windgeheul (was würde besser zu einem Titel namens Sturmweh passen) und gleich darauf folgt auch schon ein Klavier mit dezent eingesetztem, klagendem Gesang. Der nächste Teil erinnert einen - wie sehr viele andere Parts des Stückes - irgendwie an die Band Genesis. Da gibt es ungerade Takte, den Gebrauch eines Synthesizers und einer Orgel, Brüche, einen schmetternden Bass und eine Gitarrenuntermalung, die auch vom Altmeister und Genesis-Gitarristen Steve Hackett stammen könnte.

Der nun einsetzende Gesang wird zunächst lediglich von einem Klavier unterstützt, wodurch er besonders hervorgehoben wird, bald stoßen aber auch wieder andere Instrumente wie Bassgitarre, Gitarre und Schlagzeug hinzu. Ein bisschen erinnert mich das Ganze auch an Yes-Keyboarder Rick Wakeman. Aber Dominiks Spiel hat auch irgendwie etwas von Tony Banks' (Genesis) ekzentrischen Klangteppichen.

Es folgen ungerade Takte, wieder ein dezenter Einsatz des Klaviers, ein 6/4-Takt, der an Genesis' Apocalypse in 9/8 aus dem Titel Supper's Ready angelehnt zu sein scheint (zumindest ist das Feeling, das er erzeugt, das Gleiche), die ganze Aufregung die im 6/4-Part erzeugt wurde, wird kurz durch einen ruhigen Part unterbrochen, in der wieder Dominiks klagender Gesang zu vernehmen ist.

Mit den Worten

Geh nicht mehr zurück

Der Sturm der Welt beginnt

wird das Stück plötzlich extrem rockig und hektisch, ja, dieser Part mag einem durchaus einen Sturm suggerieren.

Natürlich steuert so ein Sturm auch seinem Ende entgegen. Es wird wieder ruhig, wieder spielt eine Gitarre, die auch Steve Hacketts emsigen Fingern entstammen könnte, es wird wieder schneller, anschließend wird der Zuhörer mit dem Satz

Die Welt scheint dich zu meinen

Man ruft dich, es wird Zeit

konfrontiert. Was er zu bedeuten hat, vermag ich hier nicht zu sagen, mir erscheint er in diesem Zusammenhang etwas sinnfrei, obgleich die Zeile Man ruft dich, es wird Zeit schon sehr prophetisch klingt und alleine dadurch eine atmosphärische Wirkung erzeugt. Manch einer mag hier aber auch einen Hang zur Pathetik sehen.

Wie auch immer, es folgt wieder ein Keyboard Part à la Tony Banks, mit dem das Stück dann auch ausklingt.

Mehr als 17 Minuten sind nun vorbei und es bleibt ein sehr positiver Eindruck, eine gehörige Portion an Respekt vor Dominiks großem Talent, ein absolut geiles Retro-Feeling, eine Kritik am Zusammenhang von Dominiks Lyrics mag aber auch durchaus berechtigt sein.

Natürlich dürfte es auch hier wieder einige Leute geben, die zu beanstanden haben, dass Dominiks Musik nicht Neues sei, weil sie doch lediglich alte Schemen des Progressive Rock der 1970er Jahre aufgreife. Dafür, dass diese Musik aber nichts Neues ist, ist sie meines Erachtens verdammt gut.

Auf seiner Website (www.dominik-mueller.net) hat Dominik übrigens geschrieben, dass es niemals seine Intention war, Neues, noch nie Dagewesenes herauszubringen, sondern dass er eben gerade beabsichtige, die Musik des Prog der 1970er Jahre wiederaufleben zu lassen. Retro Prog in seiner reinstem Form eben. Und ganz nach diesem Motto hat der junge Künstler sein Album auch analog und nicht - wie heutzutage eigentlich üblich - digital aufgenommen.

Wir dürfen auf jeden Fall alle sehr gespannt sein, was Dominik noch so in den nächsten Jahren herausbringen wird. Möglicherweise wird er ja eines der ganz großen Lichter am (deutschen) Prog-Himmel werden.

Für dieses tolle Werk, das vor Einfallsreichtum und Virtuosität nur so strotzt, gebe ich

8 von 10 möglichen Punkten.

Review von Niklas T.

Musiktipp 2

2007-08-21T14:20:00.000+02:00

Ihr mögt klassischen Prog wie Yes, Emerson Lake & Palmer und King Crimson? Dann will ich euch mal Dominik Müller vorstellen er ist 19 Jahre alt und nimmt komplett in Eigenregie Alben auf. Das Beste daran sie sind komplett kostenlos und legal herunterladbar. Also eine empfehlung von mir hört es euch an und entscheidet selber, damit ihr jetzt nicht erstmal paar minuten verwendet müsst ein Lied runterzuladen gibt es hier eine Kostprobe von seinem Können. Wollt ihr mehr über ihn erfahren geht auf seine Webside http://www.dominik-mueller.net/willkommen.htm,
viel Spaß damit wünscht euch
Malte J.

Dominik Müller – Sturmweh

Idiot Flesh - Idiot Song

2007-08-19T12:14:00.000+02:00

Idiot Flesh - Fancy

2007-08-19T12:06:00.000+02:00

Band: Idiot Flesh

Album: Fancy

Genre: RIO/Avant-Prog

Vö-Jahr: 1997

Tracklist: 1. Dead Like Us
2. Idiot Song
3. Teen Devil Worshipper
4. Chicken Little
5. Twitch
6. Drowning
7. Motherfucker
8. Bach Is Dead
9. Diggity Cow And The Dandy Mr. Clyde
10. The Straw
11. Cheesus (Dance Mix)
12. People In Your Neighborhood
13. Dead Like Us (Reprise)

Mitglieder:
Gene Jun - Gitarre, Violine, Gesang, metal hat, talking, fancy dancing pig, walking

Dan Rathbun - Bass, Cello, thing, trombone, bikehorn, screwdriver, saw, Gesang, talking, teneroon

Wes Anderson - Schlagzeug, Percussion, Marimba, mailing tube w/latex glove, mouth, Gesang, bassoon, metal, plunger

Nils Frykdahl - Gitarre, flute, Gesang, talking, Kontrabass, castanets

Gastmusiker:

Matt Embrie - Klavier (9), Synthesizer (11)
Jindra Dolansky - Saxophon (11)
Mantra Ben Y'akova - Stimme (6 & 11)
Stacy Black - Stimme (11)
Jab - Trompete (7)
Tony "El Evil" Gallegos - MC (1 & 9)
Angela Coon - Stimme (2)

Idiot Flesh hat sich 1985 gegründet, doch damals hießen sie noch Acid Rain und sie brachten ein Demo Tape raus, welches den Namen "We Were All Very Worried" trug. Bevor sie ihr erstes Album „Tales Of Instant Knowledge And Sure Death“ rausbrachten änderten sie ihren Namen in Idiot Flesh um. Sie brachten zwei Alben und eine EP heraus bis sie sich 1998 trennten und somit ihr drittes Album unvollendet ließen. Ein paar der ehemaligen Idiot Flesh Bandmitglieder gründeten die Nachfolger Band Sleepytime Gorilla Museum, die musikalisch gesehen in die gleiche Richtung gehen. Idiot Flesh waren bekannt für ihre ungewöhnliche Auswahl an Instrumenten, so bedienten sie sich manchmal verschiedener Küchengeräte oder ähnlichen obskuren „Instrumenten“. Zudem sollen sie live psychedelisch anmutende Puppenspiele aufgeführt haben.

Man kategorisiert Idiot Flesh meist als RIO oder Avant-Prog (ich will hier aber kein Schubladendenken fördern). RIO ist die Kurzform für Rock-in-Opposition, dieser Stil bildete sich aus dem Progressive Rock und bedient sich avant-garde-klasischen Strukturen. Merkmale dieses Stils sind dissonante Akkorde, Polyrythmen und abstrakte, wie auch manchmal politisch orientierte Texte.

Doch nun zum Album:

Fancy ist ein Album, das sich schwer beschreiben lässt, man sollte es einfach mal hören. Es besteht aus vielen Liedern die sehr unterschiedlich klingen, aber trotzdem spürt man einen zusammenhängenden Stil herraus. Und um diese kleine Berg- und Talbahn richtig zu beschreiben gehe ich von Lied zu Lied vor weil das die beste Methode ist ein Album von Idiot Flesh zu beschreiben.

Als erstes wäre da Dead Like Us , welches das Intro des Albums darstellt. Das Lied wird größtenteils vom Gesang getragen, doch die Aufmachung des Liedes lässt einen das Bild vors geistige Auge bringen, dass es von einer fröhlichen Meute in einer alten Bar gesungen wird. Es ist nicht besonders komplex aber mit Textzeilen wie „Your’re dead like Cornflakes“ kann man auch schon hier die teilweise lustigen und bizarren Texte wiederfinden, die sich durch das ganze Album ziehen. Man kann eigentlich nicht mehr über das Lied sagen, alsdass es ein lustiges Intro des Albums ist und den Humor der Band wiederspiegelt, aber es ist nicht repräsentativ für das restliche Album oder für die Band im Allgemeinen.

Der Idiot Song klingt schon komisch und ist auch so. Ich sage da nur : “The Idiots are here and all they've brought is Candy“. Mit dieser sehr komischen Textzeile beginnt das Lied und man sollte sich dieses Lied sehr aufmerksam anhören, da es sehr gut den Stil der Band aufzeigt. Man hört hier eine sehr abgehackte Spielart des Basses, eine interessante Gestaltung des Schlagzeugs und natürlich den Gesang, der bei Idiot Flesh immer eine wichtige Rolle spielt und sehr merkwürdige Texte zu singen pflegt. Das Lied ist schwer zu beschreiben, man sollte es einfach gehört haben, da hier ein Augenmerk auf die Percussions gelegt wird und die Melodie vom Gesang zu großen Teilen getragen wird und die anderen Instrumente eher eine unterstützende Komponente besitzen.

Teen Devil Worshipper klingt ein bisschen als hätte Idiot Flesh vesucht auf ihre sehr bizarre Art einen Rob Zombie Song zu machen, was allerdings nicht negativ gemeint sein soll. Das Lied ist zwar eher vom Aufbau des Liedes her simpel und hebt sich stark vom vorausgegangenem Lied ab und lässt sich schwer in Worte fassen, doch die Art wie die Gitarre hier eingebunden wird ist einfach sehr unkonventionell. Zudem bringt einfach diese ungewöhnliche Instrumentalisierung einen Klang der erfrischend neu ist, aber nicht etwas für Jederman ist.

Einen sehr atmosphärischen Anfang hat Chicken Little. Er erinnert auch manche an einen Liedanfang von der Zeuhl-Band Dün was dadurch kommt das hier zu Anfang die Querflöte das hervorstechende Instrument ist. Danach kommen die Textzeilen, die sich durch das ganze Lied ziehen, unterstützt von einem sehr düsteren Klang der Musik, bis es in einen Teil übergeht der Rhytmisch sehr interressant gemacht ist bis wieder nur der Sänger zu Hören ist, der anschließend von einer sehr gewöhnungsbedürftigen Gitarrre und Percussions begleitet wird. Später taucht noch ein Part auf, der vom Rhytmus und Bass einfach sehr cool gestaltet ist und worüber immer wieder Chicken Little gesungen wird, doch lange bleibt es nicht so und das Lied schwingt in einen Teil um, der starke Anleihen an die Countrymusik besitzt, was natürlich alles Vorangegangene über den Haufen wirft. Danach geht es weiter in Idiot Flesh-Manier bis letztendlich das Lied mit dem gleichen Teil auhört wie es angefangen hat. Das Lied ist meiner Meinung nach das Beste des Albums und somit auf jedenfall hörenswert.

Twitch fängt etwas bedrohlich an und man versteht nicht so recht, ob das lied jetzt unheimlich sein soll oder nicht. Der durchgehende Bass Drum-Schlag (der sich allerdings nicht durch das gesamte Stück hindurch zieht) fällt ebenso wie die stark rhymtisch orientierte Gitarre sofort auf. Das ganze Lied ist sehr wie ein Ruck, was auch gewohlt ist, denn Twitch heißt: "Der Ruck" oder "Der Stich". So heißt es auch weiter im Lied „If you’re dying show it with a… TWITCH.“. Ungefähr in der Mitte taucht ein kurzes instrumentales Zwischenspiel auf, was aber nicht aus der Stimmung des Liedes ausbricht sondern diesen Ruck oder Stich gut akustisch darstellt. Kurz gesagt ein sehr interressantes Lied auf dem Album.

Sehr atmosphärisch wird es in Drowning. Es besitzt einen weniger komplexen Aufbau, der aber klar gewollt ist, da es hier mehr um die Atmosphäre geht als um Liedstrukturen. Es wird eine depressive Stimmung vermittlelt, was eine schöne Abwechslung zu den restlichen Liedern darstellt. Im letzten Drittel des Liedes wird diese Stimmung schön unterstrichen, nämlich dann, wenn der Gesang erstmal aufhört und ein Gitarren Solo anfängt, welches man von einer Band wie Idiot Flesh nicht erwarten würde, denn es klingt ein bisschen wie depressiver Stoner Rock und bildet den Höhepunkt des Liedes.

Brüche und starke Stimmungswechsel machen das Lied Motherfucker aus. Es fängt, wie man sich aufgrund des Titels bereits denken kann, ein bisschen härter an, was schnell in einen eher melancholischen Part übergeht, der schlagartig in einen fröhlicheren Part wechselt. Man kann sich schon denken, dass dies nicht lange anhält und wieder in etwas Gegenteiliges laufen wird. Diese Wechsel ziehen sich durch das ganze Lied, nur später taucht ein Part auf, der sich so schnell und so abrupt ändert, dass es nicht unbedingt leicht ist, dem Ganzen zu folgen (was nicht negativ gemeint sein soll). Zum Schluss werden noch einmal die anfänglichen Themen aufgegriffen und der Titel endet abrupt.

Es wussten vielleicht noch nicht alle, aber Bach is Dead. Hinter diesem Titel versteckt sich eine mehr oder weniger Akkapellanummer von Idiot Flesh. Sehr Unterhaltsam aber auch sehr kurz.

Diggity Cow And The Dandy Mr. Clyde ist ähnlich wie sein Vorgänger ein kürzeres Lied mit hohem Unterhaltungsfaktor. Es herrscht wieder ein bisschen diese Kneipen-Atmosphäre, wie man sie aus dem ersten Lied kennt, doch diesmal singt nur der Hauptsänger der Band und wird dabei von einem Klavier begleitet. Natürlich ist das nicht solch ein Lied, das es auch schon in vielen Filmen gibt, wo nur ein Sänger oder eine Sängerin von einem Klavier begleitet wird. Der Sänger singt sehr interressant und manchmal bewusst ein bisschen dissonant und schreiend. Alles in Allem ist Diggity Cow And The Dandy Mr. Clyde ein sehr schönes Lied, das man sich auch einmal Zwischendurch anhören kann.

Nach zwei eher kruzweiligeren Liedern kommt The Straw. Ein Lied, das wirklich diesmal ohne Brüche daherkommt. Es wird immer wieder eine Kindermelodie (aus Amerika) eingespielt, die eine Leichtigkeit suggeriert. Man hört wieder das ein bisschen unkonventionell gestaltete Schlagzeug und vor allen Dingen der Bass sticht in diesem Lied sehr hervor. Außerdem erfährt man am Ende, wie die Welt untergeht: „This is the way the world ends“. Aber wie sie es tut will ich hier natürlich nicht verraten.

Cheesus ist eigentlich kein Lied, es ist eine nachgeahmte Radiowerbung und man kann sich denken, dass sie einen Wortwitz, der sich auf Jesus bezieht, darstellt. Ich musste mich beim ersten Hören wirklich wegschmeißen vor lachen. Er ist fettfrei, also ist es keine Sünde ihn zu essen und mit diesen harten Fakten will ich nur noch eins sagen: Cheesus der Snack, welcher für dich stirbt.

In People in your Neighbourhood, geht es darum das der Hauptcharakter herum geht, um seine Nachbarn kennenzulernen. Auf seinem Weg trifft er viele verschiedene Charaktere und zu jeden ändert sich die Musik jeweils passend zum Charakter des Getroffenen. Er trifft z.b. Mr. Pimp, einen armen Schlucker, aber auch noch viele andere Charaktere. Man sollte sich das Lied auf jeden Fall einmal angehört haben.

Beim Titel Dead Like Us (Reprise) kann man sich schon denken, was er darstellt. Er ist das Outro des Albums und nimmt wieder Themen des ersten Liedes auf. Dadurch bekommt das Album eine gewisse Rundung und wirkt abgeschlossen.

Alles in Allem ist Idiot Flesh keine gewöhnliche Band und man sollte sie sich aufjedenfall einmal anhören. Dabei kann ich das Album Fancy nur empfehlen, denn es ist ein wirklich guter Vertreter der Band und zudem ist es abwechslungsreich und auf keinen Fall monoton. Der Sound ist erstklassig, obwohl viele verschiedene Instrumente in den Liedern zu hören sind. Die Texte sind sehr unterhaltsam und auf jeden Fall lesenswert. Das Album ist wirklich gut und deshalb gebe ich ihm

8/10 Punkten.

Review von Malte J.

Saga - Humble Stance

2007-05-29T15:15:00.000+02:00

Saga - Saga

2007-05-27T16:40:00.000+02:00

Band: Saga

Album: Saga

Genre: Neo-Prog

Erscheinungsjahr: 1978

Tracklist:

1.) How Long?

2.) Humble Stance

3.) Climbing The Ladder

4.) Will It Be You (Chapter Four)

5.) Perfectionist

6.) Give ‘Em The Money

7.) Ice Nice

8.) Tired World (Chapter Six)

Lineup:

Ian Crichton – Gitarre

Jim Crichton – Syntheziser, Bass, Moog Syntheziser

Jim Gilmour – Keyboard, Gesang, Moog Syntheziser

Michael Sadler – Bass, Keyboard, Gesang

Steve Negus – Schlagzeug, Percussion

Eigentlich lag der klassische Progressive Rock im Jahre 1978 bereits im Sterben: Die als große Prog-Bands in die Musikgeschichte eingegangenen Progressive Rock-Gruppen wie Yes, Emerson, Lake & Palmer, Genesis, Gentle Giant oder King Crimson existierten nicht mehr oder hatten sich vom Prog abgewandt. So waren Tormato (1978, Yes), Works II (1978, Emerson, Lake & Palmer), And Then There Were Three (1978, Genesis) oder Giant For A Day (1978, Gentle Giant) nur noch mehr oder weniger bemühte, wenngleich kompetente Pop-Alben, die fast überhaupt nicht mehr ahnen ließen, dass diese Gruppen einst Progressive Rock gespielt hatten.
Dennoch unterliegt man stets einem Irrtum, wenn man glaubt, eine Musikrichtung sei zur Gänze tot, so findet man sie doch immer wieder in neuen Ausprägungen reinkarniert wieder. Der Progressive Rock bildet hierbei keine Ausnahme: Wie ein Phönix entstand aus der Asche des Klassischen Progressive Rock (etwa 1969/1970-1977) dessen Weiterentwicklung, heutzutage Neo Prog genannt, der den Progressive Rock vor allen Dingen in der Mitte der 1980er Jahre eine Art Renaissance erleben ließ.
Als besonders wichtige Vertreter dieser Periode gelten Bands wie IQ, Marillion, aber auch die kanadische Gruppe Saga, die der neue Zeitgeist, ausgelöst durch die Punkbewegung der späten 70er Jahre, völlig kalt ließ, was aber nicht bedeutet, dass sie neueste Technologien vor allem im Bereich der Synthesizer nicht nutzten oder genau dieselbe Musik wie die Gruppen, die man allgemein der Klassischen Phase des Progressive Rock zuordnet, spielten. Neo-Prog-Bands waren keine Ewig-Gestrigen, sie gingen mit der Zeit, bildeten aber einen klaren Gegenpol zur Punk-Bewegung (etwa 1977-1983) und deren Nachfolgestile der 1980er Jahre, die die Do It Yourself-Theorie und den Minimalismus innerhalb der Musik predigten. Neo-Prog wollte keine „Anti-Kunst“ spielen, sondern weiterhin, wie in der Tradition des Progressive Rock üblich, ein Kunstprodukt mit höherem Anspruch darstellen. Dennoch kann man nicht verhehlen, dass die Neo-Prog-Bands sich zunächst deutlich an ihren Vorbildern der 1970er Jahre orientierten. Während für die Gruppe Marillion eher die frühen Genesis-Alben aus der Gabriel-Erä als Orientierungspunkte dienten, kann man für die Band Saga doch schon klar sagen, dass sie sich zunächst deutlich Gentle Giant zum Vorbild nahmen, was man unter Anderem an der häufig stark synkopierten Rhytmik, der Harmonik, der Art des Gesangs, der Spielart des Keyboards beziehungsweise Synthesizers und der schwerfälligen, sehr rockigen E-Gitarre hören kann. Das Schlagzeug erinnert mich persönlich immer wieder stark an das Schlagzeug, das John Weathers für die Stücke von Gentle Giant einspielte.
Die Aufzählung der Ähnlichkeiten mit Gentle Giant mag zunächst als Widerspruch zu einer neuen Spielweise des Progressive Rock erscheinen, allerdings muss man hier auch klar und deutlich sagen, dass Saga das Debütalbum der Kanadier ist und wie es sich nun einmal fast immer mit Debütalben verhält, ist es auch mit diesem: Es orientiert sich wesentlich stärker als folgende Alben an musikalischen Vorbildern.
Genug über die Theorie, zur Praxis:

Das selbstbetitelte Debütalbum der Band Saga beinhaltet größtenteils sehr interessant klingende, rockige Songs, aber auch einige etwas ruhigere Stücke, eine Menge verschiedene Synthesizer Sounds- und Parts, sowie dezent eingesetzte Gitarren, die vielen Titeln ein großes Maß an Härte geben. Manche Prog-Fans werden einen leichten Hang zur Monotonie (im Vergleich zu den Bands der Klassischen Phase des Progressive Rock) bemängeln. Ich tue dies nicht, da die Klassische Phase des Progressive Rock meiner Meinung nach nicht das Maß aller Dinge sein kann.

Lyrisch gesehen beinhaltet Saga einige eher düstere Textpassagen,
was Textabschnitte wie You'd better grab your things and run

All your friends have left you behind

I have no answers for you now

(How Long?),


You know, you gotta know

There's no one going to help you

(Humble Stance)

oder das fast schon apokalyptisch anmutende Szenario, das in Tired World (Chapter Six) beschrieben wird:

A vision of buildings sitting empty
There's not a person to be found
All cars sit silently waiting

All the leaves have fallen to the ground.

How Long

Der Titel How Long ist der erste Song auf dieser Platte und ist ein echter Rocker: Ein eindringlicher Synthesizer und eine stark synkopierte E-Gitarre wechseln sich mit durch Synthesizer dominierten Parts ab. Das Ganze wird wiederholt und es folgt zweimal ein sehr melodiöser Part, der mich persönlich stets immer zum Mitbewegen und Nicken treibt. How Long ist definitiv ein guter Opener.

Humble Stance

Sehr frech kommt die Melodie von Humble Stance daher. Sehr interessant in diesem Lied ist vor allen Dingen der Einsatz eines Spinetts, das sonst gar nicht so zum Repertoire Sagas gehört. Typisch für die kanadische Band ist wieder einmal der Einsatz einer stark synkopierten E-Gitarre, über die ein Synthesizer gelegt wurde. Ein sehr gutes Solo, in dem sich E-Gitarre und Keyboard beziehungsweise Synthesizer abwechseln, bildet den Höhepunkt des Stückes, ehe es langsam ausklingt.

Climbing The Ladder

Climbing The Ladder könnte meiner Meinung nach partiell auch von Gentle Giants letztem Album Civilian stammen. In diesem Stück dominiert zunächst vor allen Dingen der Synthesizer überwiegend, bis die E-Gitarre mit einem Solo einsetzt. Es ist sicherlich nicht schlecht, allerdings ist das Stück wohl doch ein bisschen monoton (und ich nehme mir hier – wie bereits oben erwähnt - nicht die Bands der Klassischen Phase des Progressive Rock zum Vorbild).

Will It Be You? (Chapter Four)

Will It Be You? (Chapter Four) beinhalt ein sehr schönes, mitreißendes Synthesizer-Intro, das einen Hauch von Ewigkeit vermittelt. Es ist sehr spannungsreich und mutet fast schon psychedelisch an, ein Part erinnert mich sogar an den Gitarristen Steve Hackett (allerdings ist dieser nur wenige Sekunden lang). Ich kann nicht verhehlen, dass mich das Stück teilweise an Yes’ Material aus den 80ern erinnert. Auf jeden Fall ein sehr schöner und größtenteils orchestral daherkommender Song.

Perfectionist

Dieser Titel kommt ebenso wie Will It Be You? (Chapter Four) sehr orchestral daher, er wird von schönem Gesang verziert und enthält ruhige Parts, allerdings ist hier auch ein sehr harter Teil vorhanden, der stark mit dem vorher gespielten Material kontrastiert, was das Stück sehr interessant und hörenswert macht.

Give ‘Em The Money

Einer meiner persönlichen Favoriten dieses Albums ist der Titel Give ‘Em The Money. Es ist ein sehr verspieltes und experimentierfreudiges Stück mit einem wunderschönen Gesang und einem verdammt rockigen Refrain, in dem die E-Gitarre die Gesangsmelodie in einer Art Call And Response wiederholt. Wer abwechslungsreiche Songs mag, der wird an Give ‘Em The Money durchaus seine Freude haben.

Ice Nice

Ice Nice ist ein eher ruhiges Stück und bietet dem Zuhörer eine kurze Verschnaufpause, die Gitarre spielt zu Beginn des Stückes gar nicht mit, es ist sozusagen zunächst ein Duett aus Gesang und Synthesizern. Nur weil, dieses Lied etwas ruhiger geartet ist, heißt das aber noch lange nicht, dass es nicht seine Höhepunkte hätte: So besitzt das Stück am fast schon psychedelisch wirkenden Ende ein exzellentes Synthesizer- und E-Gitarrensolo, das in einen etwas rockigeren Teil übergeht.

Tired World (Chapter Six)

Tired World (Chapter Six) ist das letzte Lied auf Sagas Debütalbum. Ein eher fröhlich wirkendes Intro geht in einen fast schon bedrohlichen Part über, in dem lyrisch gesehen ein fast schon apokalyptisch anmutendes Szenario beschrieben wird. Es folgt eine harte, stark verzerrte E-Gitarre. Ein langes und zum Ende hin unglaublich schnelles E-Gitarren Solo, in dem man deutlich Einflüsse von Steve Hackett und Steve Howe heraushören kann, überzeugt ausnahmslos. Manchen mag das Ende des Stückes zu langgezogen vorkommen, wer aber auf ausgiebige Soli und Instrumentalteile steht wird hier voll auf seine Kosten kommen.

Alles in Allem ist Saga ein überzeugendes Debütalbum mit einigen Ecken und Kanten. So mögen einem manche Teile einfach als zu monoton erscheinen und oft erinnern die Songstrukturen leider an einen Strophe, Bridge, Strophe, Bridge, Refrain-Aufbau. Allerdings wird man hier so manches extravagantes Solo finden und auch die einzelnen Parts an sich wirken stets pfiffig und einfallsreich. Alle Musiker überzeugen durch virtuoses Spiel und auch die fülligen Synthesizer-Klänge sind mal etwas Neues. Man kann - wie gesagt – deutliche Einflüsse der Gruppe Gentle Giant, partiell auch Einflüsse von Bands wie Yes heraushören, dennoch besitzt Saga bereits einen eigenen, unverkennbaren Sound (der nicht zuletzt durch den vielfachen Einsatz der Synthesizer untermauert wird).

Saga ist ein schönes Debütalbum, das man sich gut anhören kann. Deshalb gebe ich diesem Album 6 von 10 Punkten.

Review von Niklas T.

dredg - leitmotif

2007-05-26T13:17:00.000+02:00

Band: Dredg

Genre: Progressive Rock

Album: „Leitmotif“

Erscheinungsjahr: 1999; 2001 re-release

Tracklist

1. Symbol Song (4:23)
2. Movement I: 45 degrees N, 180 degrees W (1:01)
3. Lechium (6:24)
4. Movement II: Crosswind Minuet (1:32)
5. Traversing Through The Arctic Cold We Search For The Spirit Of Yuta (6:37)
6. Movement III: Lyndon (3:07)
7. Penguins In The Desert (4:13)
8. Movement IV: RR (2:59)
9. Yatahaze (3:44)
10. Movement V: 90 Hour Sleep (20:20)

Gesamt: 54:20

Line-up:

- Gavin Hayes / vocals
- Mark Engels / guitar
- Dino Campanella / drums
- Drew Roulette / bass

Gastmusiker:

Shannon Harris (Gastsängerin in Traversing Through The Arctic Cold We Search For The Spirit Of Yuta)
Gus Lyndon Farwell (Gastsänger in Movement III: Lyndon)

Dredg ist eine amerikanische experimentelle, Alternative/Progressive-Band.
Sie wird 1995 in Los Gatos, Kalifornien, gegründet. Auf ihren ersten beiden EPs „Conscious“ (1996) und „Orph“ (1997) ist die Musik noch stark von Hardcore und Rap beeinflusst, wobei „Orph“ schon deutlich werden lässt, dass sich die Band mit dem Nachfolger im Genre Progressive Rock bewegen wird.
1999 erscheint dann erstmals „Leitmotif“. Noch im gleichen Jahr werden sie von einer Zeitung in Los Gatos zur "Rockband Of The Year" gekürt. Es folgen weitere Auszeichnungen.
Das Album wird 2001 erneut mit anderem Cover veröffentlicht. Darauf folgen 2002 „El Cielo“ und 2005 „Catch Without Arms“.

Die Musik dieser Band strotzt nur so vor Abwechslungsreichtum. Auf Eingängigkeit wird kein großer Wert gelegt. Ihr Stil ist alles andere als kommerziell, einfach einzigartig. Das wird bereits deutlich, sobald man die ersten Klänge eines ihrer Lieder hört. Sofort fällt auch Gavin Hayes sehr spezielle Stimme auf. Ich habe von Vergleichen mit Tool, Dave Matthews Band und einigen anderen gelesen, aber diese Band mit irgendeiner anderen zu vergleichen, halte ich für unmöglich.

Dredg ist jedoch nicht nur musikalisch aktiv, sondern auch grafisch. Einige ihrer zahlreichen Bilder, die größtenteils Werke von Bassist Drew Roulette sind, kann man auf www.traversing.net und www.dredg.com anschauen.

Eins ihrer Bilder

Dem Konzept des Longplayers „Leitmotif“ liegt eine Geschichte, die Drew geschrieben hat, zugrunde. Diese ist im Booklet abgedruckt und in den Texten der Lieder tauchen einzelne Zitate aus ihr auf.
Das Album erzählt die Geschichte eines Mannes, dem ein Geist erscheint, der ihm erklärt, dass er geistig erkrankt sei. Um geheilt zu werden müsse er fünf verschiedene Kulturen bereisen, um dort ein Heilmittel für sein Leiden zu finden. Wenn es ihm jedoch nicht gelinge seine Reise erfolgreich zu beenden, werde er sterben.
Die Geschichte ist also das „Leitmotif“ des Album, das daher so benannt wurde.
Dadurch, dass es ein Konzeptalbum ist, stehen nicht die einzelnen Lieder sondern das Gesamtwerk im Vordergrund. Daher ist es auch empfehlenswert es am Stück zu hören.

Das Album beginnt mit „Symbol Song“. Die ersten Zeilen lauten: „He said: patience is the key to for a change to ensue“. Hier wird das Motiv der „Veränderung" deutlich, ausgedrückt durch das chinesische Zeichen (Symbol) für „Veränderung", der Liedtitel war. Das Lied wird durch ein Geräusch eingeleitet, das durch das schnelle Herumwirbeln eines so genannten "spirit catcher" entsteht. Es erzählt, was der Geist dem Protagonisten des Albums gesagt hat. Nämlich, dass er sich auf die Reise machen solle.

Das recht kurze instrumentale „Movement I: @45°N 180°W“ leitet vom relativ harten Symbol Song ohne Pause zum nächsten Lied über.

„Lechium“ beginnt mit einem längeren ruhigen Intro, das zum Ende hin recht hart wird. Das ganze Lied lebt von seinen ständigen Stimmungswechseln, die durch das Wechselspiel aus soft und hart zustande kommen. Auch der Gesang wird im Verlauf des Liedes immer härter, bis dieser schließlich sogar in Geschrei endet um dann wieder ein wenig sanfter zu werden. Von der Thematik her, geht es um die Krise der Hauptfigur.

Darauf folgt „Movement II: Crosswind Minuet“, das den nahtlosen Übergang zwischen dem vorigen und dem nachfolgenden Song bildet.

Bei “Traversing Through The Arctic Cold We Search For The Spirit Of Yuta” steht der instrumentale Teil im Vordergrund. Der Text des Liedes ist nicht bekannt und auch kaum zu verstehen.
Um eine Idee des Inhalts zu vermitteln möchte ich jedoch ein Zitat anfügen:
„In the Liner Notes for this track, the quote; "could this be Thetan" is stated. This refers to: “Operating Thetan.” The state of Operating Thetan is “knowing and willing cause over life, thought, matter, energy, space and time. For thousands of years men have sought the state of complete spiritual freedom from the endless cycle of birth and death, a state of full awareness, memory and ability as a spirit independent of the flesh. This is....Thetan in Scientology. Scientology is a religion which is about the individual man or woman. Its goal is to bring an individual to a sufficient understanding of himself and his life and free him to improve conditions in the way that he sees fit.”
Es ist das einzige Lied an dessen Ende eine Pause steht.

Somit kann „Movement III: Lyndon“ nicht direkt an seinen Vorgänger anknüpfen. Der Gesang rückt auch bei diesem, nach dem Gastsänger benannten Lied, in den Hintergrund.

Darauf folgt das wohl härteste Lied des Albums „Penguins In The Desert“. Es wird verhältnismäßig viel geschrieen. Die Gitarren klingen sehr schroff, jedoch hat es auch seine ruhigen Passagen. Der Protagonist hat seinen Weg nach wie vor noch nicht gefunden und ist verzweifelt.

„Movement IV: RR“ macht dort weiter, wo Penguins In The Desert aufgehört hat, ohne dass man merkt, dass ein neues Lied begonnen hat.

In „Yatahaze“ entläd sich die Spannung, die sich während des kompletten Albums aufgebaut hat. Es beginnt eher ruhig und wird dann härter. Dieser Wechsel tritt im ganzen Lied immer wieder auf. Gegen Ende fängt Gavin an, zu schreien, bis es plötzlich ganz ruhig weitergeht. Aus dem Text ist nicht klar zu erschließen, ob der Hauptcharakter seine Heilung erfahren wird. Das folgende Zitat lässt dennoch erahnen, dass es nicht besonders gut um ihn steht: „we're hoping, and waitin we're living, but dying while tring to find ot my meaning isn't planned out”.

Das Album endet schließlich mit dem überdurchschnittlich langen „Movement V: 90 Hour Sleep“. Es ist noch einmal der "spirit catcher" zu hören. Nach minutenlanger vollkommener Stille folgt der „Hidden Track“, der von verwirrenden Geräuschen begleitet wird.

„Leitmotif“ ist ein wunderschönes, energiegeladenes Album. Klar, es ist eben von Dredg. Durch die Verbindung der Songs durch die Movements, wird es zu einem Gesamtkunstwerk, das den Hörer auf eine unbeschreibliche Reise mitnimmt, wenn dieser es nur zulässt.
Leider ist die Klangqualität ziemlich schlecht. Doch darüber kann man ohne weiteres hinwegsehen.
Obwohl ich schon oft gehört habe, dass sie erst mit ihrem nächsten Album zu einem „geschliffenen Diamanten“ werden und vorher noch zu schroff klingen, ist „Leitmotif“ mein Lieblingsalbum von Dredg, da ich die härteren Klänge sehr gerne mag. Auch zähle ich es zu den besten Alben überhaupt.
Ich kann es jedem empfehlen, der (modernen) Progressive Rock mag!
Weil ich nicht wüsste, was, abgesehen von der Klangqualität, verbesserungswürdig sein sollte, bekommt es von mir

10 von 10 Punkten.

Review von Anne

JT Bruce

2007-05-19T17:54:00.000+02:00

Hey wenn ihr prog metal mögt und Bands hört wie Liquid Tension Experiment oder
Symphony X sollte ihr mal JT Bruce ausprobieren. Ihr könnt seine zwei alben unter

http://www.lastfm.de/music/JT+Bruce

runterladen und das kostenlos und legal. Wenn ihr euch immer noch nicht sicher seit dann gibt es hier eine kleine Kostprobe.

Homepage: http://www.subjectruin.net/index.htm

Gentle Giant - Isn't It Quiet And Cold

2007-05-11T18:03:00.000+02:00

2007-05-10T15:46:00.000+02:00

Band: Gentle Giant

Album: Gentle Giant

Genre: Progressive Rock

Erscheinungsjahr: 1970

1.) Giant
2.) Funny Ways
3.) Alucard
4.) Isn't It Quiet And Cold?
5.) Nothing At All
6.) Why Not?
7.) The Queen

Lineup:

Derek Victor Shulman: Hauptgesang, Hintergrundgesang, E-Bass
Raymond Shulman: E-Bass, Geige, Gitarre, Percussion, Hintergrundgesang
Phillip Shulman: Saxophon, Trompete, Blockflöte, Hauptgesang, Hintergrundgesang
Gary Green: E-Gitarre, 12-saitige Gitarre
Kerry Minnear: Keyboard, E-Bass, Cello, Hauptgesang, Hintergrundgesang, Tuned Percussion
Martin Smith: Schlagzeug, Percussion

Gastmusiker:

Paul Cosh: Tenor Horn (Giant)
Claire Deniz: Cello (Isn't It Quiet And Cold?)

Weitere Musiker:

Roy Baker: Soundingenieur
George Underwood: Coverartist
Tony Visconti: Produzent

Nachdem sich die Pop-Band Simon Dupree And The Big Sound Ende der 60er Jahre aufgelöst hatte gründeten die drei Brüder Derek, Raymond und Phillip Shulman eine neue Gruppe. Sie hatten genug von den eingängigen Stücken der Simon Dupree-Ära und wollten neue Wege gehen, Neues ausprobieren, völlig egal, ob sie damit wieder einen Top 10-Hit wie Simon Dupree’s Titel Kites landen würden oder nicht. Natürlich waren sie trotzdem ein Stück an den Zeitgeist der späten 60er Jahre gebunden, was man besonders an solchen Stücken wie Why Not? oder The Queen hört, doch dazu später. Fakt ist jedenfalls, dass dieses Album – wie auch bereits zum Beispiel King Crimson’s Platte In The Court Of The Crimson King - etwas völlig Neues war. Zusammen mit dem Keyboarder Kerry Minnear, der gerade erst sein Studium an einer Musikhochschule abgeschlossen hatte und dem Gitarristen Gary Green, den man bei Jam Sessions unter vielen anderen Mitbewerbern auserwählt hatte, formierte sich Gentle Giant und nahm sogleich die erste selbstbetitelte Platte auf.

Darauf vereint bilden viele verschiedene Stile wie Jazz, Bluesrock oder Soul aber auch Kammermusik eine spannende Symbiose, die zwar noch einige Ecken und Kanten besitzt, doch vielleicht ist es auch gerade das, was dieses Album so unter den meisten anderen zeitgenössischen Alben herausstechen lässt. Mehrstimmiger Gesang untermalt die teilweise noch etwas wild wirkenden Stücke (siehe Alucard) und auch Brüche sind gängige Stilmittel.

Lyrisch gesehen stoßen Gentle Giant ebenfalls in neue Dimensionen vor:

Keiner der Texte wirkt banal, der unglaublich traurige Text des Titels Nothing At All wirkt mitnichten kitschig, sondern beschreibt meiner Meinung nach mit vielen Metaphern sehr gut die Gefühle eines jungen Mädchens, das von ihren Liebhabern stets im Stich gelassen wurde und mit Stücken wie Giant oder Alucard (rückwärts gelesen Dracula) stößt die Band in den Bereich der Fantastik und der Fantasy vor.

Der Eröffner des Albums ist der Titel Giant. Das Orgelintro kündigt etwas ganz Großes an, den Auftritt eines Giganten. Ich persönlich glaube zwar nicht, dass Gentle Giant damit auf ihr eigenes Erscheinen in der Welt der Rockmusik anspielten, trotzdem gibt es meiner Meinung nach keinen anderen Titel, der so gut als erstes Stück in der gesamten Gentle Giant-Saga fungieren könnte. Prophetisch wirkende Passagen werden immer wieder mit Brüchen in neue Parts eingeleitet. Der mehrstimmige Gesang kurz vor dem Ende erinnert mich aus irgendeinem Grund immer an die Titelmusik aus einem alten Western. Alles in Allem kommt Giant sehr brachial und orchestral daher, beinhaltet aber nichts desto trotz interessante und schöne, fordernde Parts.

Das folgende Stück Funny Ways ist eine herrlich melancholische Ballade, die mit schwerfälligen Streichern untermalt wird und vielleicht etwas abrupt in einen Blues-Teil mündet, das Gitarrensolo am Ende, das bei Liveauftritten der Band durch ein Vibraphon-Solo vom Keyboarder Kerry Minnear ersetzt wurde und vor allen Dingen der mehrstimmige Gesang sind allerdings meiner Meinung nach einfach genial. Ich persönlich finde übrigens, dass Funny Ways wohl der Gentle Giant-Klassiker schlechthin ist.

Einen sehr starken Kontrast zum vorigen Stück bildet das rockige Alucard, das etliche Saxophon-Nummern beinhaltet, bereits Synthesizer einsetzt, den Zuhörer mit Fanfaren hemmugslos bombardiert und diesen geilen verzögerten Effekt besitzt, den die Gruppe auf den Gesang gelegt hat. Ich finde, dass das teilweise hektisch wirkende Alucard (was hier nicht unbedingt negativ gemeint sein muss) sich wohl am stärksten an den Stil, den die Band auf den folgenden Alben besitzt, anlehnt. Gemein ist diesem Stück auch mit Isn’t It Quiet And Cold? und The Queen die kecke Synthesizer-Melodie, die in diesem Fall am Anfang des Stückes eingespielt wird. Alles in Allem ist das etwas forderndere Alucard wohl das härteste Stück auf diesem Album.

Auf die Hektik von Alucard folgt ein sehr gemütliches, aber nichts desto trotz trauriges Stück namens Isn’t It Quiet And Cold?, das aber dennoch komischerweise ein Gefühl von Leichtigkeit vermittelt und das, obwohl es wieder viele Streicher besitzt, die bekanntermaßen eher ein Gefühl der Schwerfälligkeit entstehen lassen müssten. Lyrisch gesehen wird hier mit viel Liebe zum Detail und einem klagenden Gesang von Phillip Shulman beschrieben, wie jemand nachts durch die Straßen zieht und was er dabei sieht und hört. Isn’t It Quiet And Cold? ist ein perfektes Beispiel für exzellente Popmusik, auch wenn zum Beispiel das Xylophonsolo im letzten Drittel des Stückes bereits Anklänge an den Progressive Rock vermuten lässt. Ebenso wie Alucard und The Queen besitzt Isn’t It Quiet And Cold? diese freche Synthesizer-Melodie, die diesmal ebenfalls wie bei Alucard zu Beginn des Titels auftaucht.

Auf das eher locker daherkommende Isn’t It Quiet And Cold? folgt nun eine schwerfällige Ballade: Nothing At All. Eine sehr schöne Anfangsmelodie geht hier in eine Passage im Blues Rock-Stil über und auf einen klagenden, sehr emotionalen Gesang von Derek und Phillip Shulman, die durch ihre Bandkollegen auch verbal unterstützt werden, folgt ein ausgedehntes Drumsolo, das das Lied sehr in die Länge zieht. Zwar kann man das Drumsolo sicherlich nicht als perfekt bezeichnen, allerdings wertet das wütende Strawinsky-Zitat, das Keboarder Kerry Minnear auf dem Klavier einwirft das Solo wieder auf und macht es doch irgendwie zu einem besonderen Erlebnis. Anschließend taucht wieder die Anfangsmelodie samt Gesang auf und beendet das Stück. Nothing At All ist meiner Ansicht nach sowohl lyrisch als auch musikalisch gesehen das traurigste Stück auf diesem Album.

Nun folgt wieder ein rockiger Song. Der vorletzte Titel der Platte, Why Not? zeigt doch deutliche Bezüge zum Hardrock der frühen 70er Jahre, lebt vom häufigen Einsatz der Hammond-Orgel und ist von meiner Meinung nach vom grandiosen Gitarrenspiel des Gitarristen Gary Green geradezu übersät. Besondere Erwähnung sollten hier auch das mittelalterlich anmutende Flötenspiel, das vom klagenden Gesang vom Keyboarder Kerry Minnear unterstützt wird und der fast schon philosophische, aber dennoch ein eigentlich banales Thema behandelnde Text finden. Natürlich kommt auch hier wieder kräftig mehrstimmiger Gesang zum Einsatz, der partiell schon fast an eine Form des Kreischens grenzt. Why Not? ist definitv zusammen mit dem Titel Alucard eine der rockigsten Nummern auf dieser Platte und zeigt auch deutlich das Potential des Gitarristen Gary Green.

Das letzte Stück The Queen ist wohl ein nicht ganz ernst gemeinter Ableger der englischen Nationalhymne God Save The Queen. Hier werden in spöttelnder Art und Weise Rockelemente zur Hymne hinzugefügt und die Band tobt sich nochmal so richtig aus, bevor das Album mit der frechen Melodie, die bereits in den Titeln Alucard und Isn’t It Quiet And Cold? zu finden ist, endet. Ich habe schon viele Reviews gelesen, in der dieser Song als ein Titel, der dem Album die Ernsthaftigkeit nimmt dargestellt und kritisiert wird. Hierzu möchte ich allerdings anmerken, dass auch Humor zur Musik (und auch zum fälschlicherweise als verbohrt geltenden Progressive Rock) gehört. Sicherlich ist The Queen nicht das beste Stück, das Gentle Giant jemals herausgebracht haben, das Schlechteste ist es aber auch nicht und zumindest bildet es in meinen Augen einen gelungen Abschluss dieses wunderbaren Albums.

Was bleibt also? Es bleibt die Gewissheit, dass bereits das Debütalbum von Gentle Giant vor Einfallsreichtum, Abwechslung und Virtuosität nur so strotzt und dass sich eine Gruppe im Jahre 1970 dafür entschied etwas Neues auszuprobieren. Sicherlich ist auch bereits dieses Album nichts für Leute, die auf total geradlinige Musik stehen, wer aber offen für Neues ist, wird hieran mit Sicherheit seine Freude haben. Desweiteren halte ich Gentle Giant für ein ausgezeichnetes Einsteiger-Album, da es doch zu den späteren Veröffentlichungen bis 1977 verhältnismäßig eingängig ist. Auf jeden Fall ein tolles Album, das meiner Ansicht nach selbst als Debüt-Platte

7 von 10 Punkten verdient.

Review von Niklas T.

2007-05-10T15:29:00.000+02:00

Band: Opeth

Album: Still Life

Genre: Progressive Death Metal

Vö-Jahr: 1999

Tracklist:

1) The Moor
2) Godheads Lament
3) Benighted
4) Moonlapse Vertigo
5) Face Of Melinda
6) Serenity Painted Death
7) White Cluster

Mitglieder: Mikael Åkerfeldt – Gesang, Gitarre
Peter Lindgren - Gitarre
Martin Mendez - Bass
Martin Lopez – Schlagzeug

Still Life ist das vierte Album von Opeth, einer Progressive Death Metal Band aus Schweden. Es ist wie sein Vorgänger „My Arms Your Hearse“ (1998) ein Konzeptalbum. Zur Geschichte: Es geht um einen Mann, der als gläubiger Christ aufwächst, doch irgendwann beginnt er den Glauben zu hinterfragen und wird deshalb aus seinem Heimatdorf verbannt. Nach langer Zeit im Exil kommt er zurück ins Dorf um seine Verlobte (Melinda) zu holen. Es gibt ein paar Schwierigkeiten, doch er schafft es sie zu finden, aber seine große Liebe hat sich neu verlobt. Sie meint noch, dass sie dem Verlobten nur ein versprechen gegeben habe, aber der Hauptfigur dieser CD gehöre ihr Herz: „My promise is made but my heart is thine“. Plötzlich wird er wach und findet Melinda tot auf, wahrscheinlich erwürgt „Red line round her neck“. Es wird nicht ganz klar wer sie ermordet hat, aber die Stimmung und der Text des vorigen Liedes lässt darauf schließen dass es nicht die Hauptfigur war. Durch den tot Melindas wird der Protagonist wahnsinnig und richtet im Dorf ein Blutbad an, doch letztendlich verliert er die Kraft und wird von den Dorfbewohnern gehängt. Am Galgen wird noch eine Anspielung gemacht, dass der er vielleicht doch nicht seinen Glauben verloren hat und noch an eine Wiedervereinigung mit Melinda im Nachleben glaubt „I will come for you“.

Das erste Lied „The Moor“ fängt mit einem sehr ruhigen Intro an, welches das ganze Album einleitet. Danach kommt ein Part der klarmacht, warum Opeth eine progressive DEATH METAL Band ist. Das Lied wankt zwischen ruhigen akustischen und lauten, aber dennoch langsamen, Metal parts hin und her. So wie die Musik wankt auch der Gesang zwischen tiefen Death Metal Growls und klaren Gesangspassagen. Das Ende ist wieder ein aufwühlender Metal-Teil, der recht abrupt endet.

„Godheads Lament“ macht da weiter, wo „The Moor“ aufgehört hat und startet sofort durch. Es ist auch eines der härtesten Lieder auf den Album Still Life, doch auch hier kommen in bekannter Opeth-Manier ein paar sehr schöne Akustik-Parts. Allerdings werden hier vom Gesang ein bisschen mehr die Growls bevorzugt.

Mit „Benighted“ wird der Druck, den die ersten beiden, recht typischen Opeth Lieder, aufgebaut haben in einer sehr Melancholischen Wolke entladen. Denn in diesem Lied gibt es keine lauten und harten Metalpassagen, hier gibt es nur Akustik-Gitarre und Mikaels klare Stimme. „Benighted“ ist mit 5 Minuten Spielzeit das kürzeste Stück auf Still Life und das vom musikalischen Aufbau her simpelste Stück, was nicht negativ gemeint ist, da das Lied sich exzellent in den Kontext der Geschichte einfügt.

Nach diesen sehr ruhigen Stück geht es erstmal in „Moonlapse Vertigo“ wieder mit der Metal seite von Opeth los, aber viel trauriger da hier nicht nur E-Gitarren spielen sondern auch Akustik-Gitarren. „Moonlapse Vetigo“ besitzt nur einen längeren Akustik-Part, doch wirkt es nicht unbedingt sehr hart dadurch, da es sich hier um ein wirklich trauriges Lied handelt. Es schlägt somit auch eine Brücke vom komplett ruhigen „Benighted“ zum aus zwei Teilen bestehenden „Face Of Melinda“.

„Face Of Melinda“ beginnt mit einer seicht gespielten Akustik-Gitarre und einem einfühlsamen Schlagzeug, wozu sich die klare Stimme von Mikael hinzugesellt. Dieses Lied stellt die Unterredung dar, die der Hauptcharakter und Melinda haben und in der sich herausstellt, dass sie neu verlobt ist. So ist das Lied zum Großteil ruhig, doch ab ungefähr der Hälfte des Liedes kommt die Metal-Seite von Opeth wieder einmal zum Vorschein, allerdings klingt das Ganze diesmal überhaupt nicht agressiv.

„Serenity Painted Death“ ist das härteste Lied auf Still Life, zumindest wirkt es so. Textlich dreht hier der Hauptcharakter durch und richtet ein Blutbad im Dorf an und genau dies transportiert die Musik auch, wobei die ruhigen Passagen im Lied gut den Schmerz des Helden der Geschichte wiederspiegeln.

„White Cluster“ ist ein großartiger Opeth Song. Er bildet das Gegenstück zu „The Moor“, denn er beginnt mit einer Metaleinlage und endet ruhig, was musikalisch wunderschön das Ende der Geschichte unterstreicht.

Still Life ist ein großartiges Opeth Album. Die Produktion ist gut die Musik ist, wenn man Opeth mag, erstklassig. Die Geschichte ist in einem sehr guten Englisch ausgedrückt und besticht durch ihren Aufbau, der leicht an den Aufbau klassicher griechischer Tragödien erinnert. So lässt sich nur noch sagen das diese CD für jeden Opeth-Fan ein Muss ist und für alle die Opeth nocht nicht kennen sehr gutes Einsteigermaterial bietet. Somit gebe ich dem album
9/10 Punkten.

Review von Malte J.